Recherche multi-critères

Le mythe de Médée entre média et intermédialité, de la pièce From Medea de Grazia Verasani au film Maternity Blues de Fabrizio Cattani par Francesca Chiara Guglielmino, publié le 21/10/2022

Cette communication analyse les réécritures du mythe de Médée, en particulier dans la pièce From Medea de Grazia Verasani et dans l'adaptation cinématographique de cette pièce portée à l’écran par Fabrizio Cattani, dont le scénario a été écrit en collaboration avec Grazia Verasani elle-même. Il s'agit d'analyser l’opération de transfert de ce récit d’un médium à l’autre.

Nudité et intermédialité. La noia d'Alberto Moravia et de Damiano Damiani par Diego Pellizzari, publié le 21/10/2022

Dans cette communication, Diego Pellizzari étudie le traitement littéraire du nu dans le roman de Moravia ainsi que son traitement cinématographique dans l'adaptation de La noia par Damiani.

Récit et faits divers : l'impossible netteté dans Tutto è vero de Giacomo Nanni par Alberto Pellegrini, publié le 21/10/2022

Au centre du récit de Tutto è vero de Giacomo Nanni, publié par Rizzoli en 2021, nous trouvons l’attentat terroriste à la rédaction de Charlie Hebdo. La communication s’interroge sur le choix de raconter cet événement mais surtout sur les formes du récit : l’auteur y convoque, mélange et détourne plusieurs éléments issus de différents médias et traditions (le cinéma narratif et documentaire, la télévision, la photographie, les journaux).

Rompiendo los muros. Narrativas cinematográficas de la emergencia de la juventud colombiana contemporánea par Sonia Sánchez-Rivera, publié le 15/02/2022

Podcast d'une communication sur la jeunesse dans le cinéma colombien contemporain. En s'appuyant sur un corpus de quatre films Sonia Sánchez-Rivera présente l'apparition de nouvelles techniques narratives et analyse les pratiques créatives actuelles.

Ettore Scola, Passione d'amore (1981) par Philippe Brunel, publié le 20/01/2022

A l'occasion de la projection le 14 octobre 2021 de Passione d'amore d'Ettore Scola au cinéma UGC Confluence de Lyon dans le cadre du Festival Lumière, Philippe Brunel a présenté le réalisateur et son film au public. Ce podcast est une captation de cette présentation.

Ferocità, atrocità e malinconie: il racconto della contemporaneità secondo gli scrittori Cannibali par Irene Cacopardi, publié le 06/12/2021

Dans cette communication, Irene Cacopardi propose une analyse du phénomène littéraire-éditorial des auteurs Cannibali. Né au milieu des années 1990 en Italie, ce groupe d’écrivains se distingue pour un style typiquement cinématographique, fait d’une violence extrême, d’un langage cru et d’histoires cruelles. Ils décrivent la folie humaine et sociétale sans filtres et font de la rupture des tabous, de la provocation, de la remise en question des conventions le rempart de leur parole littéraire, la marque de fabrique de leur production. Ils brisent ainsi la tradition italienne du roman qui semble avoir privilégié la clé interprétative du réalisme plutôt qu’une narration purement déviante. S'il est certain que ces auteurs écrivent au delà des conventions littéraires, qu’ils bouleversent les règles et les codes d’écriture, aussi bien langagiers que de contenu, arrivent-il vraiment à remettre en question les stéréotypes qu’ils décrivent ? Cette représentation de l’obscénité reste-t-elle une fin en soi stérile ? Joue-t-elle le jeu d’une culture du scandale ou devient-elle une expérience cathartique, un moteur pour une réflexion sur la contemporanéité ? En prenant en considération aussi bien l’usage non conventionnel de la langue que la représentation de la réalité contemporaine de la péninsule, le but de sa réflexion est de comprendre les finalités de cette écriture littéraire. L'intervention a été enregistrée à l'occasion du colloque "Esclandre" qui s'est tenu du 15 au 17 avril 2021, organisé par l'Université Clermont Auvergne et l'IHRIM.

Évolution du métier de cinéaste à Cuba des années 60 à nos jours par Magali Kabous, publié le 27/03/2020

Conférence sur l'évolution du métier de cinéaste à Cuba des années 1960 à nos jours.

War, Catharsis, Peace: Ancient Greek Visions and 21st Century Violence par Christine Froula, publié le 12/03/2020

This presentation brings together an American play and an American film inspired by Greek plays: Aeschylus’s Suppliants and Aristophanes’s Lysistrata. Charles Mee’s gripping drama Big Love (2000) animates the plot of The Suppliants to explore the violence of the American socio-economic sex/gender system, moving from male violence to female violence to catharsis to peace. The title of Spike Lee’s brilliant, urgent, visionary utopian film Chi-Raq (2015) names Chicago’s horrific neighborhood gang wars and America’s imperial violence in one angry word and empowers its heroine, Lysistrata, to organize the neighborhood women to seize arms, treasure and the power of language in order to stop the gang warfare that, in real life as in the film, destroys children and young men in our city every day.

Genre et images dans les aires ibériques et latino-américaines - colloque international par Paula Halperin, Isabelle Mornat, María Isabel Menéndez Menéndez, Alba Gómez García, Martine Heredia, Rocío Negrete Peña, publié le 06/09/2019

Podcast d'un colloque international organisé à l'ENS de Lyon sur la notion de genre dans les arts et les médias de l'aire hispanique.

Masterclass d'Alfonso Cuarón par Alfonso Cuarón, publié le 14/06/2019

Dans le cadre du Festival Lumière, Alfonso Cuarón, réalisateur mexicain récompensé de nombreuses fois par des prix prestigieux comme l'Oscar ou encore le Prix du meilleur scénario de la Mostra de Venise, a donné une masterclass à la Comédie Odéon le 16 octobre 2018. La rencontre était animée par le directeur de l'Institut Lumière de Lyon Thierry Frémaux.

Masterclass de Guillermo del Toro par Guillermo del Toro, publié le 23/03/2018

Dans le cadre du Festival Lumière, Guillermo del Toro, cinéaste mexicain qui a réalisé plusieurs long-métrages récompensés aux Oscars et au Festival du Film de Venise, a donné une masterclass à la Comédie Odéon le 16 octobre 2017. La présentation s'est faite en anglais, la traduction française étant assurée par le journaliste Didier Allouch.

Masterclass de Guillermo del Toro - Festival Lumière 2017 par Guillermo del Toro, Didier Allouch, publié le 06/03/2018

À l'occasion du Festival Lumière de 2017, Guillermo del Toro est venu à Lyon présenter en avant-première son dernier film, The Shape of Water, qui vient de remporter l'Oscar du Meilleur Film. Il a rencontré le journaliste Didier Allouch lors d'une Masterclass donnée à la Comédie Odéon, dans laquelle il évoque l'impact que son éducation catholique a eu sur son art et la relation qu'entretient notre société avec le cinéma et les images. Ce texte est une retranscription éditée de l'entretien.

Alfonso Cuarón présente Le Labyrinthe de Pan (Guillermo del Toro - 2006) par Alfonso Cuarón, publié le 16/11/2017

Alfonso Cuarón est un cinéaste mexicain qui a réalisé plusieurs long-métrages récompensés aux Oscars et au Festival du Film de Venise. Le 15 octobre 2017 il est venu présenter Le Labyrinthe de Pan de Guillermo del Toro au cinéma Comoedia à Lyon dans le cadre du Festival Lumière. La présentation s'est faite en anglais, la traduction française étant assurée par le journaliste Didier Allouche.

Cinémas en révolution, Tunisie - Syrie. Partie I : Syrie par Cécile Boëx, Narimane Abd Alrahman, publié le 05/05/2015

Cécile Boëx se propose d’analyser les effets de la révolution syrienne sur la production cinématographique. Pour illustrer son propos, elle va appuyer son analyse sur l’expérience d’un collectif syrien Abou Naddara, comme exemple abouti d’une pratique cinématographique qui se pense avec les évènements et qui propose un point de vue distancier et singulier par rapports à ces évènements.

Cinémas en révolution, Tunisie- Syrie. Partie II : Tunisie par Kmar Bendana, Narimane Abd Alrahman, publié le 05/05/2015

Kmar Bendana nous dresse un tableau de la production cinématographique en Tunisie de ces dernières années. Elle en expose les différentes mutations et constate que le cinéma tunisien, considéré jusque là comme un cinéma de festivals et de films d'auteurs est en train de devenir un moyen d'expression plus direct sur l'état général de la société tunisienne. A la faveur de l'explosion de la parole et de l'image, le cinéma tunisien participe d'une mue. Le phénomène, à peine perceptible, touche à l'extension de l'espace public (notamment en filmant des réalités jusque là timidement approchées) et à l'ouverture à des formes radicalement nouvelles.

Printemps du cinéma arabe : une identité à retrouver, entre désir de créations originales et dérives inattendues... par Rym Taga Gabsi, Narimane Abd Alrahman, publié le 03/04/2015

Tour d’horizons de quelques films tournés avant, pendant et après les Révolutions des pays arabes. Nous analyserons quelques extraits de films afin de montrer les différences avant et après la Révolution, surtout du point de vue de la liberté d’expression. Enfin, nous nous intéresserons aux changements remarqués « grâce » ou « à cause » de la Révolution. Mais peut-on réellement parler de changements ?

L’espace post-apartheid dans les longs métrages de fiction sud-africains, une étude panoramique par Annael Le Poullennec, publié le 19/11/2014

Annael Le Poullennec propose une étude de l'espace sud-africain post-apartheid par l’intermédiaire des films. Après quelques rappels sur l’histoire de la ségrégation en Afrique du Sud et une brève introduction au cinéma sud-africain, elle évoque la problématique de l’espace, à l’échelle nationale et urbaine, dans la réinvention de la nation sud-africaine après la fin de l’Apartheid. Elle s’arrête notamment sur les dichotomies ville/campagne, township/suburb, cloisonnement/ouverture, en insistant sur l’image du déplacement, de l’évolution. Par l’analyse de films tels que Hijack Stories (Oliver Schmitz, 2001), The Wooden Camera (Ntshaveni WaLuruli, 2003), Tsotsi (Gavin Hood, 2005) et White Wedding (Jann Turner, 2009), elle pose les bases de ce qui constitue l’espace post-apartheid cinématographique dans le cinéma de fiction.

Jeux vidéo et cinéma à rebours du mouvement transhumaniste : le cas de District 9 par Julien Buseyne, publié le 07/11/2014

District 9 de Neil Blomkamp (2009) projette la structure de l’Apartheid dans un univers de science-fiction où les extraterrestres dont le vaisseau s’est échoué au dessus de Johannesburg sont victimes d’une forme de ségrégation. En marge de son thème principal, c’est à dire la projection de la mécanique d’oppression entre humains sur le canevas de la science-fiction, District 9 illustre aussi un procédé technique qui constitue le ressort principal du jeu vidéo : la projection des sens et du corps dans un système technique. Cinéma, télévision et jeux vidéo partageant les mêmes schèmes de la pratique audiovisuelle, les convergences entre ces domaines ne sont pas rares. Par la mise en scène de la technologie extra-terrestre, Disctrict 9 expose une grammaire de la captation de l’être sensible dans un système technique qui étend ses sens et ses potentialités, trait qu’il partage avec le jeu vidéo. Il s’agit là d’un acte politique qui s’oppose à la pensée transhumaniste, et affiche une convergence frappante avec les systèmes d’immersion dans les univers numériques actuellement à l’étude. Cette prise de position est cohérente avec le discours humaniste déroulé par cette œuvre, et s’inscrit dans la continuité de celles qui explorent la relation entre l’humain et la machine.

Charulata (la femme solitaire) : Tagore / Ray par Giovanni Robbiano, publié le 16/09/2014

Charulata (1964) est également connu sous son titre anglais : The Lonely Wife (La femme solitaire). Ce film est une adaptation du roman Nastanirh (Le nid brisé) de Rabindranath Tagore, publié en 1901. Les acteurs principaux sont Madhabi Mukherjee, Sailen Mukjerjee et Soumitra Chatterjee dans les rôles principaux de Chârulatâ, son mari Bhupati et son cousin Amal. Comme la plupart des films de Ray, ce film est en noir et blanc et dure 117 minutes. Il en a également composé la musique. Il a été produit par R. D. Banshai, et le directeur de la photo était Subrata Mitra. Celui-ci a fait la photo de la plupart des films de Ray et en particulier de ses premiers chefs-d'œuvre : la Trilogie d'Apu : Pather Panchali (La complainte du sentier, 1955), Apu Sansar (Le monde d’Apu, 1959) et Aparajito (L’Invaincu, 1956).

Screening Identities - Danny Glover in conversation with Manthia Diawara par Manthia Diawara, Danny Glover, Avital Ronell, publié le 20/01/2012

Manthia Diawara et Danny Glover exploreront, d'un point de vue thématique et existentiel, comment les relations se forment et s'exportent au cinéma. Comment les relations sont-elles représentées et selon quels codes d'acquiescement ou de révolte, de désir ou de dégoût, de nécessité ou de chance les rencontres sont-elles thématisées dans les films africains ou africains américains ? Quels sont les dessous de l'histoire et les affinités secrètes qui ont encouragé ou freiné l'émergence de l'art cinématographique noir africain et américain ? Messrs Diawara and Glover will be exploring, on a thematic and existential register, the way relations are formed and uprooted in cinema. How are relations depicted, and according to what codes of presumed compliance or revolt, desire or disgust, necessity or chance, in the encounters that are thematized in African and African-American film? What are some of the back-stories and unrecorded affinities that have enabled or disturbed the emergence of the Black cinematic art?